大陸歌手創作比國外歌手難度更大 。

我們最主要的音樂已經失傳，要創作歐美日這種個人風格的音樂，幾乎不可能。

有些抖音網路歌曲還可以比比。

差的回彈上。

大陸的音樂是向著天空大聲呼喊，不存在音律的回彈。

如果是這樣，比較的就是誰嗓門大，誰唱的音準確。

如果大陸的音樂能輕鬆寫回彈調。

“回彈”只是一個比喻。

這個問題涉及到很多因素，其中有些可能是文化、市場和商業模式等方面的影響。一方面，中國在音樂領域歷史上一直是一個重視歌曲演唱的國度，而非強調歌曲創作的國度；另一方面，近幾年來，由於電視音樂綜藝節目的興起，對於唱歌表演藝術的追求更為盛行，而歌曲創作則被忽視或不重視。此外，商業模式和市場需求也會對於創作能力的重視程度產生影響。在某些商業模式下，如流行音樂市場，賣出去的完整內容包括樂曲、音樂、歌詞等內容，歌曲創作的重要性就比較明顯。不過，在快節奏的市場裡，為了追求商業效益，很多時候讓唱歌表演藝術成為關注重點顯得更為實用。總的來說，這些因素共同作用，導致了歌手的創作能力在國內的價值和重視程度相對不高。

源於中國社會價值觀不正。一切源於社會資源分配。本來藝術文明，一切核心在於創造，如肖邦才是音樂頂流，而中國偏偏把會彈的好肖邦作品郎朗，李雲迪之類當頂流。’我不是說郎朗不行。只是他不是核心。是優秀，但離日本那個誰創作巜原故鄉風景》是差十輩子，可中國社會卻不這樣認為，在社會名氣，財富分配，社會地位，作曲，作詞人遠遠不如一歌手，一演奏者。是極其可悲的。這可悲現狀，有國內一部分人才，但不是天才，佔高位造成的。舉個例子，那英可以稱華語樂壇大姐大，可以輕視刀朗。那英肯定是人才，可她不會作詞作曲。刀朗待遇還算好，自創自唱，可更多創作人沒有自己唱，啥也沒有。而一首歌或一首曲，創作重要性佔百分九十八，唱的，演奏佔百分之二，一首好歌曲，中國至少可以找出十萬人唱的不比那英差的，只是每個人風格有差異，並不代表藝術水平高低。而十三億人一年，十年末必能創作一首好作品，如前百年中國共有二首半音樂作品可稱名曲，巜二泉映月》，《梁祝》，巜賽馬》。可見創作之艱辛，和偉大。我不是說歌手沒有才華，如果你們把名氣，財富，地位給那英之類是十萬元，那麼你們應該給阿炳之類一萬倍也不分。可阿炳之類在現實中很落魄，阿炳就是活生生例子。解放前一樣，當今也一樣。中國重視過原創者嗎？

1. 商業利益驅動：在大陸的音樂市場中，商業利益往往是最重要的因素。歌手的創作能力雖然重要，但在商業利益面前往往會被拋到次要位置。

2. 教育不足：在大陸的音樂教育中，往往更注重技巧和表演，而不是創作能力的培養。這也導致了很多歌手在創作方面的欠缺。

3. 市場需求不高：在大陸的音樂市場中，消費者往往更注重歌曲的流行度和唱法，而不是歌手本身的創作能力。因此，歌手的創作能力在市場需求中並不是最重要的因素。

4. 文化環境不利：在大陸的文化環境中，往往更注重歌曲的旋律和歌詞，而不是創作背後的故事和情感。這也導致了很多歌手在創作方面的欠缺。

大陸歌手普遍不重視歌手的創作能力，主要有以下原因：

大陸歌手多為公司簽約型，公司推出一個歌星，注重唱功和長相，而並未創作能力。

大眾更認同明星以及巨星的演唱作品，創作型歌手本身的演唱並不引人注目。

創作型歌手沒有良好的顏值和唱功，很難走進大眾視野。

國內的創作型歌手並不少，但是很多有才華的千里馬缺少資深伯樂的發現，並且簽約明星背後會有很多作曲家進行創作，從而導致了創作型歌手不斷放棄創作。 作為一個音樂人，能夠堅持作為創作型音樂人，是對音樂的態度問題，也只有創作型歌手，才能夠擁有持久的發展潛力。

首先，商業利益因素。現今音樂產業已經成為一項龍頭產業，很多公司更願意追求流行性和商業性，而不是創作性和深度，並且創作成本高、風險大，也可能是公司不願意承擔的壓力。

最後，自身能力因素。作為一名優秀的歌手，創作能力是附加的，確實不是必需的，但也不是每個歌手都有天賦和時間去進行創作。有些歌手可能專注於唱歌，以達到更高的演唱技巧和藝術表現力。

歐美有幾個具有超凡唱功的歌手有詞曲創作力的？你是拿那些半吊子唱功的創作歌手湊數？

首先，術業有專攻，專業的人幹專業的事在任何時候都是一條真理。人的才情是有限的，而每項工作要做好又都是有著很高要求的。你啥都會，但可能啥都蜻蜓點水，到頭來一事無成。須知，演唱本就是精密度毫不亞於作詞作曲技法的一項專門工作。音質的集中、氣息的穩定、音區的拓展、音色的變化、力度的對比等等，都不比作曲技法的要求低，遠非有些創作型歌手擁躉們想當然的會作詞作曲就能保證作品來源，只需扯開嗓子唱就是了那麼簡單。

其次，詞、曲、唱是遞進關係，而非三張皮。一首歌曲作品最終呈現在觀眾面前的形象，一定是聲音形象，因為音樂的本質屬性是透過空氣傳播的聲音符號，而非紙面上的文字和音符。因此只有透過演唱，才能說完成了一首歌的真正創作。所以我們經常會聽到“某首歌一開始作出來的不是後來我們聽到的那樣”的傳聞，因為詞曲作者也是透過歌手的試唱修改並完稿的。也就是說，即使單論紙面上的狹義創作，也是與演唱高度捆綁而定的。所以說演唱本就是廣義的創作一環，而且是創作的終極環節。

國內音樂市場多年以來，商業化氛圍較濃，往往以商業利益為導向。很多時候歌手的音樂創作能力並不是製作音樂的必要條件，只要歌手具有一定的歌唱技巧、演唱能力和外貌條件，就有可能成為明星。由於市場對作品的投資回報率要求較高，有時候為了更好地保證商業利益，製作團隊也更願意選擇既定的曲風、主題和製作方式，而不是給予歌手更多的創作自由。對於一些流行音樂市場的消費者來說，他們對音樂作品的創作背景、靈感來源等知識並不十分重視，只關注歌曲本身是否好聽、節奏是否感染力強、歌詞是否容易上口等方面。因此，一些製作團隊可能會更注重音樂作品的外在表現形式，而忽視歌曲背後的創作力量。但是，在國內還是有一些歌手和音樂製作人注重自身的音樂創作能力，這些唱作人透過作品的推出來吸引更多關注。同時，隨著音樂市場的不斷擴大和多元化，一些新的音樂風格和主題也逐漸受到市場的歡迎，為歌手的音樂創作能力帶來了更大的發揮空間。

因為作曲知識成本高回報小，華語樂壇處於聲樂崛起的時期，沒有發展到作曲、作詞階段

方大同：“歐美是沒有所謂創作歌手的說法，所有的職業歌手都具有基本的創作思維”。

就目前而言，導致國內普遍不重視歌手的創作能力緣由主要是：對於歌手而言，作曲的知識過於昂貴、門檻過高，而回報很少，無法形成實用的市場技能。中國作曲知識的普及性依舊很低，大眾學習作曲的門檻非常高，而商業作曲又被少數人壟斷，基於作曲的上下游產業鏈條，被資本卡住脖子，作曲的利潤有限，遠遠不如聲樂和偶像賣臉。市場是一切的源動力，要想重視創作，必須具有基本的職業中堅市場。

林俊杰、陶喆、王力宏四人的優秀，其實在歐美是比較尋常的，因為林俊杰、陶喆、王力宏三個人都是外華人，兩個美國，一個新加坡自小受到了完全體的歐美音樂知識和音樂環境。只有周杰倫這個怪才，是源於天賦和兒時古典音樂的薰陶異軍突起，所以周杰倫的個例，驚豔並不能當做華語樂壇20年前就已經進入了原創創作時代，其實到目前為止，華語音樂的發展依舊是初期階段朝著專業化進步的道路上。

音樂創作的門檻是很高的，這種門檻主要是音樂創作的知識和音樂創作的環境成本。對於當下的市場，音樂創作的知識主要停留在套路和絃的網路傳播上，一般的作曲課會集中去講如何讓一個零基礎的創作者去學會套路和絃的使用，而在套路和絃的使用過程之中，大部分的零基礎人員因為從來沒有接觸過音樂的色彩培養和缺乏進階知識，大部分人是利用簡譜數字的排列組合方式來完成作曲的。

我們整體的社會作曲認知，還處在一個普及套路和絃的過程，甚至於掌握最基礎的套路和絃在今天就是少數人的紅利。這種情況，作曲的質量顯然是較為初級的，這是主要導致商業歌手不重視創作能力的核心。而實際上一些說唱歌手、有留學、出國學習經驗的歌手，他們的創作能力都會遠遠超過內地歌手，比如萬妮達、鄧紫棋、梁博等人。這進一步說明了商業音樂環境的追求差異，華語市場追求商業化效果，品質其次。歐美相反。

以下，從作曲的核心知識來表明創作對於歌手而言真的是一件很難的事情：

創作歌手的樂感要求：器樂五年起步，聲樂五年起步；

所有的創作型歌手的入門要求是同一個——樂器，核心是鋼琴（鍵盤）和吉他。不會樂器的歌手，通常都是非創作型歌手，當然也存在一些簡譜作曲的現象級歌手，比如許嵩、薛之謙。但是整體的音樂品質很難獲得成熟主流認可，比如金曲獎之類的專業獎項。

那為什麼幾乎所有的創作歌手一定要會樂器？而且他們學習樂器基本上都是從小開始，五年起步，普遍在十年以上？答案是兩個字：樂感；學一門樂器的時間越長，對於音樂的理解就越深刻，對於音樂製作的和音審美就越準確，進而對於音樂表達情緒的共情效果就越嫻熟。這是創作的核心動力。

樂器對於作曲的幫助地位，就如同語言對於我們生活的幫助，樂器就是音樂創作者的聲帶。那這個就有意思了，歌手的吃飯家伙普遍是聲樂，聲樂同樣也是五年起步，十年小成的領域。如果一個歌手想要成為創作歌手，那麼他起碼需要在聲樂和器樂同時進步，才有機會成為創作歌手。而當下華語音樂市場的比例是這樣的：

聲樂-非科班出身的業餘/興趣職業歌手佔比：85%（四大天王等所有的香港歌手，絕大部分TW歌手都是業餘出身）；

聲樂-非科班但有聲樂培訓的職業歌手佔比：15%（鄧麗君、林俊杰、張傑等人）；

聲樂-科班職業歌手佔比：5%（汪峰、那英、單依純等）；

這裡的科班我們統一包括一切的音樂專業（作曲、聲樂、器樂、電腦工程），即使如此擁有科班教育的音樂歌手依舊是非常少，近幾年單依純、黃霄雲、周菲戈等人算是不錯了，一年總有幾個可圈可點的科班生，這還是得益於華語音樂的發展，流行聲樂進入了大學聲樂系。教育才是一切動力。可是流行作曲系、爵士作曲還沒有成為大學的專業，而且我們沒有類似伯克利這種品質叫好的音樂私立大學。

在這樣的情況下，我們看一看職業歌手之中擁有器樂學習經歷的歌手佔比有多少：

沒有樂器能力的職業歌手佔比：95%（四大天王、單依純、周菲戈等）；拿起樂器做大調伴奏，或者能假彈和稀泥的職業歌手佔比：3%（任賢齊、謝霆鋒、韓紅等）；嫻熟掌握一門樂器五年之上的歌手佔比：2%（周杰倫、李榮浩、鄧紫棋、陶喆等）；

擁有樂器能力的聲樂專科生，幾乎是鳳毛麟角的存在。當這種中創作歌手機率交叉，那就是我們大學音樂教育培養的擁有系統學習的創作型人才基本要求機率，就是2%乘以3%的萬分之六的概念。職業歌手之中的萬分之六，這等於是六千萬分之一機率。

所以本質上，還是因為音樂教育的不足，這種不足主要是教育、培訓對於音樂創作的忽視，和音樂創作門檻過高的社會藝術發展滯後問題。周杰倫收徒嗎？不收徒，世面上可有任何一個歌手在教學其他歌手如何作曲？沒有。人才稀少之下最關鍵的核心就浮出水面——知識回報率極低。

音樂創作的知識回報率極低；

當滿足基本的聲樂訓練，器樂堅持後，要想成為一個擁有基本作曲能力的歌手，還需要以下知識：

1：基礎樂理；

2：和聲學；

3：流行曲風實踐；

基礎樂理這個比較好解決，對於歌手而言，聲樂和器樂只要唱多了，其實可以自學完成，沒有可以快速上手，即使是薛之謙不懂五線譜，他的節奏、音準、調式也都是合格的。

整整遏制音樂創作人才極少的核心知識是和聲學和流行曲風實踐，和聲學這個東西他真的需要老師教學傳道受業解惑，幾乎很少自學的創作者可以擁有自學的和聲學知識，因為和聲學的複雜程度遠遠超出了自學的上限。這也就意味著和聲學作為一門單獨的學科，他基本上沒有培訓的可能，任何基於和聲學的培訓都是片面和不賺錢。他需要背靠大學音樂教育的推廣，才能實現知識的普及。

基本上中國不存在一個歌手願意為了作曲而去找和聲學的培訓，更願意找快速見效的速成班，而往往這種速成班又是會植入很多上限思維，和聲學的普及在音樂之中，目前的主力是編曲人士透過自媒體的方式來完成普及。

而和聲學他又無法快速投入生產，只能以基礎知識傳播，因為流行作曲的最終歸路是——曲風實踐，和聲學的知識傳播到實踐又是一個長線。曲風實踐又是一個老大難的長線投資，有可能是沒有任何回報的長線投資。作曲的時間無比長，比聲樂、器樂都要長，而且的回報是沒有保底的。

換句話說，我們市場的流行作曲領域，沒有形成可以大量、批次生產中堅作曲專業人員的基礎教育能力，全是無為而治，自然發展，這顯然是很難形成優質人才的培養。

整體而言，歌手的創作能力，對於當下的華語音樂市場是不現實的。目前可以做好聲樂向的大陸新生代歌手培養就非常不錯了，等聲樂歌手開始飽和後，自然作曲、作詞人才需求增大，十年一個階段會形成進步的。

這個問題有多個方面的原因。

首先，從歷史和文化背景上來看，中國的流行音樂文化起步較晚，而且在一段時間內一度被限制和控制。因此，相對於西方國家的流行音樂市場，中國的流行音樂市場還存在很多不成熟的地方。這些不成熟的地方包括唱片公司、電臺等機構對歌曲創作能力的忽視和缺乏鼓勵。

其次，在商業利益驅動下，商業節奏加快、消費觀念轉變等因素也對歌手的創作能力帶來了壓力。在這種情況下，許多公司更願意推出那些外表、形象好看、口碑好的歌手，而對於創作能力相對較差或未被發現的歌手，則無法獲得更多資源和支援。

最後，從教育層面來看，音樂教育雖然已經逐漸受到人們重視。但是，在過去相當長一段時間裡，許多傳統中式音樂課程更注重練習技術性強、傳統曲目為主，並未給予學生充分創作機會。這也對音樂創作能力的培養和發展帶來了一定的影響。

綜上所述，中國流行音樂市場和文化體系的不成熟、商業利益的壓力以及教育模式的傳統侷限等因素都對大陸不重視歌手創作能力帶來了影響。