不同時期的審美標準不同，很難有標準答案。單純的從表現層面來說，古典美學更注重內在氣質揣摩，現代美學更側重視覺張力表現。

賞心悅目謂之美，美有兩種層次，賞心的為內美，悅目的為外美。外在的美很容易讓人喜歡，而內在美不一定有好看的外表，它一定會打動你的內心，並使你的心靈與之相鍥或產生共鳴。現代藝術與傳統藝術本沒有什麼界限或區別，前提是它也得是美的。往往是現代人對於美與醜，善與惡，真與假的界限模糊，審美水平降低了。

所謂美：美是能夠引起人們愉悅、舒暢、振奮或讓人心曠神怡的感覺。

自然美、社會美、自然美與社會美合起來即什麼是美，包絡太多，不可能用統一的、準確的形態標準概念為其定義。

現代藝術

一、現代藝術的瓦解起源於古代地中海沿岸（埃及、希臘、西亞）的西方藝術到19世紀後期，出現了轉變的苗頭，這個苗頭進入20世紀後，成為西方藝術的主流，這就是西方的現代藝術。

可以把西方現代藝術看成是一座大廈。由各種不同型別的視覺風格組合而成，建造這所大廈的原理，是科學和理性。這是西方數百年來的思想文化核心，也是我們這裡比較缺乏的東西，西方人憑藉這些在技術和社會管理方面取得飛速進步；但也帶來侷限，抑制了藝術生命的部分活力。

現代藝術的創作，與科學思想密不可分，結構主義與立體派，工業技術思想與未來派、風格派，機械製造形式與達達派的機械圖紙繪畫，弗洛伊德的釋夢學說與超現實主義，還有以理性手法表達非理性的抽象表現主義，等等，都是科學和藝術聯手的結果，人們把藝術創作看成是一種有規律可循的造物過程，這樣，藝術家出圖紙，工廠按照圖紙生產藝術品，就成了合情合理的藝術創作程式，1960年後的美國就是這個樣子。那時，許多藝術家從事各種各樣的工業與材料試驗，發明新的合成材料，使用機械裝置成為作品的動力系統，聲光電磁成為新的藝術資源，下面幾項藝術活動能說明當時的情況：

（2）極少藝術（nIlnlnlallsn1），突出特徵是以工業方式生產藝術品，追求數學的精確性，代表人物是賈德（Donald Judd）,作品通常是相同單元的重複。

（3)“動態雕塑”（Kinetic Art），有許多代表人物，如瑞士人廷古萊(Jean Tit-ian），製作了變體繪畫機器，為首屆巴黎雙年展製作了一臺“有香味有聲音的變體汽車”；萊裡（Len Iye）製作了有微妙平衡的活動雕塑，等等。

(4）燈光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一發展方向，其形式類似霓虹燈廣告。代表人物是青年藝術家弗萊溫（Dan Fla-vin)。

（5）1966年紐約軍械庫舉辦《藝術和工程》試驗展覽，展出許多高科技手段設計的藝術品，並由此帶動藝術家和科技工作者的緊密合作。隨後成立的’藝術和技術試驗”組織，有3000人參加。

還有更多的類似活動，頻繁地出現在世界各地，形成風潮。如紐約現代美術館有“機械”展，惠特尼美術館有“光”展，倫敦有機械“動力”藝術展，洛杉礬有“工業”展，等等。科技力量由介人藝術發展到支配藝術，西方現代藝術在藉助科學力量創造新成果的同時，也把自己送上了不歸路。

下面這些藝術家是1960年代藝術與工業結合的代表：

（1）色面抽象畫家紐曼（Barnetr-man），以近乎不斷重複的方式，製作單一色塊。

(2）金屬雕刻家大衛·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在軍事坦克工廠做焊接工人，後來就發展出一種鋼雕刻，這種雕刻提供給觀眾的是它的沒有實際功能的機械性品質。

（3)行動藝術與色百抽象結合的畫家弗蘭肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）對抽象表現主義資源的再利用,把藝術變成某種物理資訊的表達.(4)黑條畫家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用銅和鋁探討不同形狀的畫布造裡，以矩形和稜形為多，創作大、規模的色快分割作品。

二、現代藝術的性質有學者把西方美術的歷史概括為三個階段，即：前現代—現代—後現代。這個分期法中，一切藝術都是圍繞著“現代”來確定其時段的，“現代”成了劃分歷史的座標，這個分期法狠簡單，也容易記，我們不妨惜來一用。

旅美日本文學理論家灑井直木（NaOki SakiIJi）在一篇談日本後現代文化的文章中說："前現代一現代一後現代的序列暗示了一種時間順序，我們必須記住、這個秩序從來都是同現代世界的地緣政治構造結合在一起的，現在眾所周知的是。這種秩序基本上是十九世紀的歷史框架,人們透過這個框架來理解民族、文化、傳統等在這個系統裡的位置."歷吏階段的劃分不是純然時間性的，而是和空間糾葛在一起的。這意思是說，在同一時間裡，不同地域可能分別處在不同的文明階段；比如同處19世紀，中國是封建帝制國家，而西方早已進入資本主義，因此，有人說凡是當代出現的藝術都是當代藝術：是不對的，現在我們國家展覽會中出現的許多美術作品就不具有當代藝術的特徵，甚至不具有現代藝術的特徵，這正是東西方地域差別的結果。

無論是“前現代”還是“後現代”，都是與“現代”進行比較後才可能產生的看法，弄清什麼是“現代”，是進行這種比較的前提。我們可以從兩個角度體察“現代藝術”發生轉變的原因。

一種是風格和形式的角度，這是一種數量的概念。從理論上說，我們可以計算出西方現代主義階段創造的視覺形式和風格的數量，這個數量很多，以倍數超出已往任何時代，也是中國已有美術形式和風格的總和也無法比擬的數量。

另一種是價值的角度，所謂價值，是以什麼好，什麼不好的標準，價值是質的概念，關係重大。不同價值觀導致不同的評價結果，比如，用明清文人的價值觀看今天的中國畫，就會認為今不如昔。

從數量角度看現代藝術，我們會發現西方藝術家們在短短半個多世紀裡，以多角度。全方位的探索精神，實踐了藝術形式（架上藝術）變革的各種可能性，乃至沒給後人留下多少有待探索的空間。革命已經成功，同志無須努力，後來的藝術家只好另闢踝徑。

從價值角度看現代藝術，我們會發現它基本上屬於精英文化範疇，能堅守高雅藝術的節操，不屑於與凡俗為伍，這種觀念就其本性來說，是歷史上貴族文化的衍生物，但社會變化了，精神貴族們失去了世襲領地，也只好去塵世中摸爬滾打。

具體說，現代藝術的價值觀表現在下列凡個方面：

(1)追求純粹。現代藝術追求視覺產品的純粹性，在創作中只考慮形式要素，忽略其他因素，從而抑制了抽象藝術的發展。一般說，追求純粹是精英化和專家化的思想，有侷限性，等於畫地為牢。

(3)形式至上，重視形式不是現代藝術特有的習性，古典藝術也非常講究形式感，但古典藝術的形式服從內容表現，或者說，形式隱藏在形象的後邊，而現代藝術是為形式而形式，賦予形式以獨立價值和功能。

(4)追求自我。現代藝術家多閉門造車，表現自我，不考慮觀眾，還經常透過怪異行為和奇裝異服而顯示與眾不同，因而作品也十分個人化，不容易理解，也因此幫助美術批評家獲得瞭解釋此類作品的特權。

（5）整體單調。這是指在現代藝術流行時期，一切非現代的作品，如傳統寫實手法的、有民族地域特徵的、非發達國家的作品，均被排斥，弄得全球藝術家都要使用“跨國界語言”，因而造成了一定程度的全球性藝術語言貧乏症。

從以上幾個方面看，我們就能理解，有反對它的力量出現，是件自然而然的事情。

三、後現代藝術的出現反對現代藝術的力量是在1960年代未出現的。

就在科技強權席捲一切，精英化，純粹化的藝術山窮水盡的時候，新的藝術活動出現了，這些活動與當時的潮流是那麼不同，竟然使西方藝術峰迴路轉，另開局面。下面就是當時新出現的幾項藝術活動：

（1）大地藝術（LandArt或Earth Art），可以看成是室內裝置作品向戶外發展的結果，最早的樣式可以追溯到古埃及的金字塔和英國的斯通亨治圓形石柱，而美洲的廣闊土地為當代藝術家提供了展示才能的舞臺。以沙漠、高山和草原為原始材料，修整出或附加上巨大的幾何形式，是大地藝術的早期特色。最有名的作品是羅怕特·斯邁森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，這個堤壩寬15英尺，觀眾可以沿著堤壩走幾圈，除此而外沒有任何實用功能。

（2）裝置藝術（InstallatiOn），是一種由非藝木材料構成。可在室內短暫陳列的立體展品，其中極少部分也會被博物館收藏，它是一種佈置展品的方法而非藝術特色或風格，所以它可以為許多藝術流派服務。最初的裝置由棄置傳統雕塑材料而來，其主要定義是：“（1）它們是裝配起來的，而不是畫。描、塑或雕出來的；（2）它們的全部或部分組成要素，是預先形成的天然或人造材料、物體或碎片，而不打算用藝術材料”。早期裝置藝術的代表是德國的達達藝術家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各種材料將自己的住宅堆滿。

（3）概念藝術（ConceptuaI Art），來源於1920年代早期的達達藝術，認為藝術沒什麼神聖和持久的價值，它的本質是思想或者概念，物理形態的具體作品並不重要，所以也叫思想藝術（Ideaart），後物體藝術（Post Object art）或無物體藝術（De-materialized art），用來記錄思想的文字材料，或者對一個事件的照相實錄，是概念藝術的常見形態。概念主義藝術家探詢藝術與思想或者藝術與知識的關係，這種探詢的終點是文字的、數學的或美學與哲學的，從道理上說，這種作品實際上不是用來觀賞的，傳統的展出形式不適用。但既要展示內在思想又要避免外在形式，仍是長久的難題，那些被看成是觀念藝術的作品，多是在美術館和其他公眾場合展出一些臨時性的裝置，例如隨便堆放一些木頭、磚塊或其他雜物，有一個例子是在美術館中展出一個巨大的鳥籠，裡邊有些活的鳥和其他物品，另有一個概念藝術團體則是一些從事隨筆寫作的人。代表人物有約瑟夫·庫蘇斯（Joseph Kosuth）、邁爾·波施納（MeI Bochner）和漢納·道波溫（Hanne DarbOven）等人。

（4）過程藝術（Process art），認為藝術的製作過程比事先的構思重要，體驗時間流逝勝於觀看靜止和持久的物體，力圖表達瞬間即逝的短暫存在，此種藝術多使用易於體現時間變化的軟性材料，最初的來源是波洛克和德庫寧在創作中隨意滴濺顏料的偶然性，創作過程多是作者對展出材料的任意改變。代表人物是羅伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展廳裡堆放一些沒有任何價值的混雜材料。他每天去改變這些材料的放置狀態，到展覽結束時就將這些東西收起來扔掉。

有了上面一些活動，此後的西方藝術就出現兩種相反的發展趨勢，一種是純藝術，就是讓藝術保持獨立品性，以區別其池事物。在純藝術裡，什麼是繪畫，什麼是雕塑，有著明確的質的界定，另一種趨勢則是混淆藝術與非藝術的界限，尤其是混淆藝術與生活的區別。前一種藝術的所謂“純”，恰好是後一種藝術所竭力排斥的東西。而排斥的理由則是認為藝術的本質是啟發創造性，人為地劃分藝術範圍是對刨造力的束縛，只有當藝術與生活融為一體時，藝術的創造力才能在最廣泛的程度上得以體現。

新的藝術思想傳播迅速，以美國為例，多年前他們的藝術雜誌中不再是滿篇塑膠鋼和幾何型了，天然材料，行動的過程，環境和觀眾的介人，語義解析，攝影實錄，逐漸成為藝術傳媒的主要報道內容。至此，現人藝術的觀念、方法和形式有了重大改變，人們說的後現代藝術，就是從這個時候開始的，不過，藝術史的更迭不是軍事交接，不會形成截然兩端的局面，所謂新與舊，尾聲與開場，往往同時存在，只是論述者為了敘述方便，習慣將糾纏在一起的事實分開來說，囚此，我們常會看到學者們對許多所謂流派運動的開端有眾多說法，本文論述後現代藝術，因為要刻意尋找時間推移的秩序，就無法同時兼顧空間的劃分,這是要請讀者注意的。

促成西方現代藝術在1960年代未轉變形態的原因很多，通常認為與下列社會背景有關：

（1）美國在越戰的失敗，導致反對戰爭的情緒增長，再加上冷戰格局下的國際環境，使人們對於人類社會和現實生活不抱有大多希望，並進一步開始蔑視已有的人類生活準則。在文化領域出現反主流和否定永恆價值的傾向。

（2）工業發展的影響。工業的進步曾給人類社會展示了美好的前景，但副作用也越來越明顯，環境汙染，能源緊缺，有毒廢料，核武器危險，人們認識到，科學技術在解決一些問題的同時，叉帶來了新的問題，人們開始清醒地看待工業進步的利弊得失，對科學方法產生了懷疑。

（3）社會問題突出，豐富的物質生活解決不了精神的問題，戰後“垮掉的一代”出現。1968年，歐洲和美國都出現了學生運動熱潮。

（4）新思想的出現。歐洲j午多哲學家們對當代文化提出了新看法，從而對藝術界產生影響，這些哲學家包括羅蘭巴特、福科、德里達、拉康，利奧塔等人，他們對已有的社會抖學理論提出吠疑，關任多種文化形態，引導人們懷疑任何單一的理論框架和終極判斷，在藝術領域則是重新肯定具象的價值，從而導致對追求形而上的現代藝術的脫離。

除了上述外在因素，過分理性兒和科技化是促使藝術方向發生轉變的內在原因。需知人類的精神世界和自然生態一樣，既變化萬端又相互平衡，如果其中某仲囚幸過分發展，就會有相反的力量來克服它。如果科學對藝術干預大多，就會有反科學的力量出現。

四、後現代藝術的價值觀1980年代以後，以美國為中心，後現代藝術已經風起雲湧，成為新的世界性的藝術潮流。綜合地看這些藝術現象，可以明顯感知新的價值現在成長，它主要表現在以下幾個方面：

（1）不求純粹，當代藝術不侷限於視覺形式，語言文字、音樂戲劇、大眾傳媒。數碼影降、聲光電化，只要能傳達特定資訊，就無所不用，繪畫超越平面限制，雕塑結颱風景和建築，展出場地也不侷限在畫廊扣博物館，在當代西方，所謂視覺藝術已經與其他門類藝術難分準解。

（2）善侍傳統。人類有豐富的傳統文化資源，棄之很可惜，當代藝術家不反對傳統，而是利用過去以更新自我。在時間和環境改變後，舊符號可能產生新意義，分冰的“天書”，蔡國強的“草船惜箭”。都是這樣。

（3）非個人化，在藝術之上，除了19世紀後期到J）世紀中期這段時間，“個人表現”都不是創炸的主要目標，後現代藝術強調社會功能，使藝術走出象牙塔，貼近大眾生活，藝術家以天下任為己任，關心社會問題，積極參與社會活動，不再是特立濁行的另類人物。

（4）多種標準，“多元”是當代藝術的核心觀念，雖然國際上仍有主流藝術趨勢的存在，但卻不再用統一的標準判斷優劣，比如承認不同國家，民族，地域的藝術的價值等等。但也因此出現繁雜混亂的局面，難以系統化。

綜合以上的論述，也許我們可以對後現代藝術有個粗淺的認識：它起源於對現代藝術的反叛，發展出表達思想和傳遞資訊的新方法，觀念的更迭，技術的轉換，以及它所代表的公眾意識、多元價值觀和自由創造精神，體現了西方當代文化中的發展趨勢，但由於地域，文化和體制的不同，中國美術界還不能在短時期內以整體面貌融入這一全球範圍的藝術運動，但這並不妨礙新藝術因素的增長，也不妨礙我們從常識的角度去獲得西方當代藝術的知識。

羊大為“美”，是一種“味道”。而“味道”的感覺又因人而異，因時而異，因區域而不同。東方和西方審美趨向就有差別，而現代藝術和古典藝術，就是因時而異，因人而異兩方面差別。不能說誰好誰壞，而是觀眾的審美趨向就有差別。只能說現代藝術相對更傾向於抽象，表現。而古典藝術更傾向於寫實而已。而在中國畫裡面從一開始就是寫意的，也可以說是抽象的。這是另外一個範疇。

中國傳統藝術和現代廣告設計是相通的，從中國畫的空靈意境到現代廣告設計的負空間、虛擬形，再到現代廣告設計的簡約含蓄，看不出有什麼本質的不同。藝術家和設計師擅於找出一個著力點，以這一著力點顯示其餘，使現代廣告設計成為一種文化被賦予更多哲學含義。正因為不和盤托出，所以顯得無窮無盡，即所謂引一以概萬，言有盡而意無盡，在有盡中顯示無盡，以達到“空則有、有則空”的含蓄美的最高境界。 含蓄不拘泥於單純的形式，含蓄能達到一種境界，即意境。美學家王國維曾說：“言氣質，言神韻，不如言境界，有境界本也。氣質、神韻，未也。有境界而二者隨之矣。”含蓄，能增強廣告設計的感染力，長於啟發想象，具有感人的持續力和包含豐富的內容，有它的特殊作用和積極意義。 傳統中國藝術形式總是能給人以強烈的視覺刺激。如最具有中國傳統藝術特點的毛筆，墨跡與中國文字。多數設計師也借用傳統的表現手法，如：一張白紙上，畫上幾隻遊動的小魚，人們根據自己的生活經驗自然會把大片空白聯想成茫茫的水面，一塊黑灰色的背景上畫一輪彎月，這深灰色就成了夜晚的天空。在招貼畫上，常常也有這樣的例證。正因為只是單純的底色，空間更大了，給人的聯想更多了。這種單純是虛的，但又是實的，觀眾的想象是抽象的，但又是具體的，這樣處理，不僅在形式上不一見其虛，在內容上也因某些啟示與聯想，使其更充實，更豐富了。以此的表現手法在現代的招貼畫中屢見不鮮。 現在設計師將中國傳統的平面藝術和造型藝術與外來平面設計文化結合在一起，不僅僅是對中華藝術精神的繼承，更是對中國傳統藝術走向世界的一種推廣和弘揚。時代需要對中國傳統平面設計藝術做一個深層次的思考，當代設計師們只有對千年沉積下來的民族文化瑰寶有了深入的瞭解後，才能感悟道如何去更好的利用它，更自由的改良和發揚中華民族千年的優秀的民族文化。 而如何利用傳統的造型藝術和平面藝術特點來表現現代商業社會的時代潮流，如何在新的資訊時代推動傳統藝術的更進一步的發展並賦予它更新的生命力和藝術活力，並創造新的富有特點的中國現在平面設計理念，是擺在設計師們眼前的一個具有挑戰性的問題和目標。傳統和現在是設計師始終關注的問題，就像中國其它傳統藝術表現形式在不斷革新一樣，平面設計也是這樣，不僅要繼承傳統，又要豐富藝術本體，用現代人的審美意識和觀念去表現和發展。

什麼是“美”呢？我認為美不光是物體得形態特徵和外部構造，一個漂亮得女子在我們面前走過，只要五官端正，身材勻稱，我們稱她為“美女”，一個物體刻畫得特別形象活靈活現，我們稱它為很“美”我認為“美”得定義還可以是更廣範得不能狹義得去定義，一個人樂於幫助別人有愛心，多於做慈善，我們說這個人得心靈很“沒”，所以“美”也可以是一種意識形態。

現代得美從物體形態特徵和構造來說比古典得藝術之美，更趨於大膽，更能表達自己得思想情感，更有自己得獨立性，但是由於開放的思想導致藝術得美沒有拘謹，讓一些不入流得也混淆進來，使藝術得發展沒有系統化完整化，而古典藝術得那時比較注重生活，多用於生活來塑造藝術之美，到受傳統思想觀念約束，在發展想象得空間上沒有放開。

筆者和讀者有什麼觀點呢？

美，是指能引起人們美感的客觀事物的一種共同的本質屬性。人類關於美的本質、定義、感覺、形態及審美等問題的認識、判斷、應用的過程是美學。

現代藝術

其一是隨著對精神文化的不斷追求和提高，所以藝術作為一個獨立的門課受到社會的重視，所以這這個社會大背景下，現代藝術也成就了一部人。

其二 如果藝術只考慮受眾，只考慮能不能被人欣賞，是遠遠不夠的。藝術還是一種傳達或者傳承情感、知識的工具。人們需要藝術不僅僅是藝術的商品屬性，更重要的是它對於人們精神的作用。

藝術是一種人類活動，其中一個人有意識的用某種外在標誌把自己體驗的情感傳達給別人，而別人被這種情感所感染，同時也體驗著這種情感。藝術既不是形而上學所說的某種神秘的思想、美或上帝的體現，也不是生理美學者所說的人們藉以消耗過剩精力的遊戲，也不是情緒透過外在標誌的表現，也不是美好事物的產品。總之，並不是享樂，而是為生命和追求個人及全人類幸福道路中必需的一種交際手法，他把人類連線在同樣的情感中

古典藝術

本人從小就非常喜歡古典舞，古典戲劇，古典音樂。覺得能從其中感受到一些令我感悟或震撼的東西。家裡也不是藝術世家，藝術氛圍也不是很濃厚。但真的從小就非常喜歡，那才是真正的藝術。如今的流行藝術，很少能從中感到什麼東西。不是貶低現代流行藝術，本人也經常聽。但我覺得古典藝術的藝術性更高。為什麼現代人很少喜歡，懂得了呢？

我認同尼采的藝術觀，而且學界也有這樣的聲音，認為今天處於新巴洛克時代。這個時代是什麼樣的，簡言之（粗糙且淺白地說），就是一個完全開放的時代，一個大篩選時代的前奏。在我們這個時代中，什麼都能成為藝術，但這種藝術身份本身是不確定的，是要留待後世篩選的。並且從歷史角度看，我們也能發現今天的新巴洛克和17世紀的巴洛克都處在一定程度的全球化程序和文化融合/碰撞的歷史時期。

我講這些是因為，我們身處的這個時代是沒有大師的，是集體迷惘的，同樣也是會被後人忘卻的一個時代。我們必須認識這一點，並爭取成為這個時代中最活躍的人物。巴洛克的歷史向我們證明，很多大師要到很晚才能被理解，要到近代才被重新發現，因此既然身處這個開放的時代，我們就應該把生命奉獻給無限的可能性，去嘗試自認為對的東西。

古典藝術的沒落是一個偽命題。歷史上無數試圖推翻古典傳統的人，最後都成為傳統的繼承者和改造者，古典會在未來被重新發現，而我們在今天應該儘量保留那些容易被後人忽視卻很優秀的作品，這是我們應盡的貢獻。

就今天的科技水平，古典魅力被人重新認識只是時間問題。所以，我們不必庸人自擾，好好熱愛自己喜歡的東西就可以了，並且竭力把它流傳下去。

個人覺得“美”就是讓人看著感覺特別舒服！不管現代藝術還是古典藝術它們都是時代的產物！都是當時文化環境需求和體現。不存在優缺點或可比性！

美是無論在客觀或內在，都給人以愉悅的感受，並啟蒙和延續人們善良的本質。

現代藝術具有獨創性，但激進而煩躁；古典藝術技法卓越卻缺乏人文精神。

愛美之心，人皆有之。比如唐朝的“以胖為美”，到歐美人崇尚的“美黑”，那麼，到底什麼是美？我覺得美就是追求自己的美，只要自己主觀覺得美就行了，不要刻意追求。

古典藝術與現代藝術的區別

　　在我看來古代藝術注重以型傳神，現代藝術卻注重以意統型。你看埃及的金字塔及獅身人面像、或者秦兵馬俑無不是如此，他們或透過巨大的體量震撼觀眾或透過強大的陣式征服觀眾。不論獅身人面像還是秦兵馬俑首先進入觀眾視野的是型，最後留在觀眾心裡的還是型，型後的意始終居於其次，他們都是透過雕塑的造型技術來達到一種形體的再現和意念的表達。你再看現代雕塑，克里斯托的《包裹德國國會大廈》和野口勇的《水火環》，首先人們感到的是不可思議的妙想。奇思妙想的勇氣讓人感受到人思想的巨大力量和自由思維和表達的酣暢，這裡型早已退到了其次甚至人們看著他們而忘了型的存在。

　　現代藝術：現代藝術的瓦解起源於古代地中海沿岸（埃及、希臘、西亞）的西方藝術到19世紀後期，出現了轉變的苗頭，這個苗頭進入20世紀後，成為西方藝術的主流，這就是西方的現代藝術。

　　可以把西方現代藝術看成是一座大廈。由各種不同型別的視覺風格組合而成，建造這所大廈的原理，是科學和理性。這是西方數百年來的思想文化核心，也是我們這裡比較缺乏的東西，西方人憑藉這些在技術和社會管理方面取得飛速進步；但也帶來侷限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悅離不開自然的吸引力，如果只從職位、收入、門第角度考慮和計算，理性態度是有了，但感情會受影響。所以，在涉及人類情感和性靈的地方，不能只聽科學的。

　　現代藝術的創作，與科學思想密不可分，結構主義與立體派，工業技術思想與未來派、風格派，機械製造形式與達達派的機械圖紙繪畫，弗洛伊德的釋夢學說與超現實主義，還有以理性手法表達非理性的抽象表現主義，等等，都是科學和藝術聯手的結果，人們把藝術創作看成是一種有規律可循的造物過程，這樣，藝術家出圖紙，工廠按照圖紙生產藝術品，就成了合情合理的藝術創作程式。

美是一個十分抽象的概念，不同的人有不同的理解。

現代藝術的美，往往要藉助現代工具、現代表現形式來加以詮釋，很多都是形式美，外在美。它的缺點也突出，流行一時。

古典藝術的美，是一種積澱的美，多表現在內容上，沒有足夠的文化鑑賞力，是咀嚼不出味道來的。當你有相當的文化底蘊，有合適的體驗環境，你就會由衷的喜歡它。當然，古典藝術的美，要靠發掘，不是顯而易見的，這就使它不為大多數人所接受，而且要讓感受這種美，需要大量學習。

古典藝術的美，就像泡茶，需要功夫。

不管是現代藝術的美，還是古典藝術的美，都是對當時社會生活的一種表現，也一定會對映社會生活的方方面面，更是當時社會發展的結晶。

《紅樓夢》濃縮當時社會無限成就，如果它是一幅圖，更多的人直觀就可以發現它的美。可惜，不能直觀，只能品味和體會，對一般人就大打折扣，對有一定造詣的人，臆會更增無限的美。

一種大氣，自然的美！

什麼是美？這個問題真是很難講。一百個人有一百個答案，沒有統一標準。藝術這東西，不同國家，不同民族，不同性格愛好，文化高低修養，都會影響你對美的看法。大概只能講百花齊放吧！

我現在不分年代，把我認為美的畫面發上來，這幅是美國上世紀畫家懷斯的一幅名作《遠處的雷鳴》。作品以寫實為主，草地極為真實。陽光感極強。前面是一個用草帽遮擋陽光，躺在草地的女人，伴隨她的還有一條狗，一本書和一個口盅。在這幅裡，我感受到美的大自然的衝擊力！這是一種真實的美！

而這一張則是印家派最後一位畫家博納爾的作品《麗春花》，印象派不太注重造型而卻十分注重色彩，這張畫沒去刻意刻劃花與瓶子的素描關係，幾乎是平凃，但紅白的調子已使你陶醉，不再去計較它的形。這就印象派推翻學院派只重形，不重色的最好例子。也是我所愛。

我不管它是什麼年代，總之能打動人的作品就是好作品。它比現代藝術搞的什麼《裝置》要好一百倍！也比古典派只重形，不重色要好一百倍！這就是各人不同的看法。

現代藝術分抽象和具象。古典藝術只有具象。每個人對美看法不同，大地天空各有各的美。藝術的美因人而異，有人喜歡現代有人喜歡古典。

現代藝術與古典藝術各自的優缺點

什麼是“美”？就藝術而言，美是多樣化的，有形體美、造型美、線條美、意境美……等等一系列的美，能給人帶來舒適視覺感受的物象形態特徵就是一種美，或者說，能引發人們思索的物象形態特徵也是一種美；還是就藝術而言，美有自然美和藝術美之分，總之，美是一種很神秘的東西，對於藝術而言，

現代藝術的缺點在於：由於現代藝術以反映創作者個人的主觀意識為主，所以它讓人很難以理解，觀賞者時常不明白作品存在的意義所在，事實上，現代藝術的缺點很多，比如，沒有內容、沒有深度、沒有信仰，這也導致人們對藝術的痕量標準也發生了改變，藝術就是人的創作技能而已，

古典藝術的優點在於：注重章法，（比如，繪畫藝術注重“線條、色彩、光影、構圖”的和諧運用）有清晰的內容作為藝術載體，讓人容易欣賞，也容易產生思想情感的共鳴，古典藝術表達的思想以客觀現象為主，多是描繪“理想化”的現象；古典主義的缺點在於也是太過於描繪表達“理想化”的現象情景，缺少表達生活的真實感。

我覺得美這個定義太過抽象，尤其在藝術的領域，美是千變萬化的,而且美和藝術還有著些許細微的區別，就比如說有很多工藝品很美但它並不一定是藝術品，所以與其探討什麼是美的藝術作品，不如探討什麼是優秀的藝術作品。以前上藝術鑑賞課老師說一件好的藝術作品是能夠讓人在經過它時能夠"停下，思考，並最終有所收穫"。這段話帶給了我非常深刻的影響，從此以後無論是音樂，美術還是文學，我只會重點關注那些能很快吸引我的注意力，並讓我停下所有動作，專心的去思考他們的含義或者作者想要為我們展示的資訊，然後細細體會他們帶給我的啟發和感悟。與我而言，這些讓我深刻的好的藝術作品就是美的。

對於藝術的美感，如油畫藝術的美感

油畫作品中的美感，是豐富多彩的

如古典油畫帶給我們的視覺美感，是嚴謹端莊構圖的美感，是畫中神話人物莊嚴，靜穆，理想美的形象帶給我們崇高，典雅的美感，是古典油畫中的含蓄，毫不浮誇的色調給我們高雅的美感

如印象派油畫中，光線與色彩帶給我們陽光明媚的美感，如雷諾阿的印象派油畫

如抽象畫中純線條，色彩的抽象的美感，筆觸痕跡的美感

對於古典藝術而言，如古典油畫，個人拙見，最顯著的優點是發揚傳統，繼承傳統

對於西方美術史上，從事傳統寫實古典油畫的畫家，都非常重視傳統基本功的

所以對於西方傳統古典寫實油畫作品，可見畫家寫實功底的卓越和高深

西方傳統古典寫實油畫，其流傳下來的經典作品，是我們後人學習寫實傳統地基的臨摹範本

對於傳統寫實古典油畫而言，個人拙見，都是以人類幻想出來的宗教神話故事為素材創作，而且對於古典油畫，畫家們在作畫時，注重美化物件，力求達到完美無缺的理想美古典藝術效果，所以離我們貼近的真實的生活相去甚遠。

對於現代藝術，如當代油畫，很注重藝術創作中創新的表達方式和風格，注重畫家個性化，多元化，自由化的發揮

特別是許多當代油畫，其表現風格出現了綜合材料的藝術表達方式

對於當代藝術，其創作思維，創作方式，創作材料，相比傳統寫實油畫更加開放自由

但是對於當代油畫而言，當代藝術，面臨丟失傳統的危機和缺點。回答完畢

美，是指能引起人們美感的客觀事物的一種共同的本質屬性。人類關於美的本質、定義、感覺、形態及審美等問題的認識、判斷、應用的過程是美學。

現代藝術

其一是隨著對精神文化的不斷追求和提高，所以藝術作為一個獨立的門課受到社會的重視，所以這這個社會大背景下，現代藝術也成就了一部人。

其二 如果藝術只考慮受眾，只考慮能不能被人欣賞，是遠遠不夠的。藝術還是一種傳達或者傳承情感、知識的工具。人們需要藝術不僅僅是藝術的商品屬性，更重要的是它對於人們精神的作用。

藝術是一種人類活動，其中一個人有意識的用某種外在標誌把自己體驗的情感傳達給別人，而別人被這種情感所感染，同時也體驗著這種情感。藝術既不是形而上學所說的某種神秘的思想、美或上帝的體現，也不是生理美學者所說的人們藉以消耗過剩精力的遊戲，也不是情緒透過外在標誌的表現，也不是美好事物的產品。總之，並不是享樂，而是為生命和追求個人及全人類幸福道路中必需的一種交際手法，他把人類連線在同樣的情感中

古典藝術

本人從小就非常喜歡古典舞，古典戲劇，古典音樂。覺得能從其中感受到一些令我感悟或震撼的東西。家裡也不是藝術世家，藝術氛圍也不是很濃厚。但真的從小就非常喜歡，那才是真正的藝術。如今的流行藝術，很少能從中感到什麼東西。不是貶低現代流行藝術，本人也經常聽。但我覺得古典藝術的藝術性更高。為什麼現代人很少喜歡，懂得了呢？

我認同尼采的藝術觀，而且學界也有這樣的聲音，認為今天處於新巴洛克時代。這個時代是什麼樣的，簡言之（粗糙且淺白地說），就是一個完全開放的時代，一個大篩選時代的前奏。在我們這個時代中，什麼都能成為藝術，但這種藝術身份本身是不確定的，是要留待後世篩選的。並且從歷史角度看，我們也能發現今天的新巴洛克和17世紀的巴洛克都處在一定程度的全球化程序和文化融合/碰撞的歷史時期。

我講這些是因為，我們身處的這個時代是沒有大師的，是集體迷惘的，同樣也是會被後人忘卻的一個時代。我們必須認識這一點，並爭取成為這個時代中最活躍的人物。巴洛克的歷史向我們證明，很多大師要到很晚才能被理解，要到近代才被重新發現，因此既然身處這個開放的時代，我們就應該把生命奉獻給無限的可能性，去嘗試自認為對的東西。

古典藝術的沒落是一個偽命題。歷史上無數試圖推翻古典傳統的人，最後都成為傳統的繼承者和改造者，古典會在未來被重新發現，而我們在今天應該儘量保留那些容易被後人忽視卻很優秀的作品，這是我們應盡的貢獻。

就今天的科技水平，古典魅力被人重新認識只是時間問題。所以，我們不必庸人自擾，好好熱愛自己喜歡的東西就可以了，並且竭力把它流傳下去。

在藝術的分類上，我們知道有很多種類，但是主要可以歸結為兩大類：古典藝術與現代藝術。這兩種不同風格的藝術表現形式都為我們呈現了一種美。這種美是震撼人心的，從身體到靈魂都帶給人巨大的震盪，讓人們感受生活對於藝術的需求。凡有人群的地方就有藝術，藝術一直伴隨著我們人類集體和個體的成長。因此，藝術對於生活來說是必不可少的。

欣賞完作品，那古典藝術與現代藝術有什麼不同？空間意識不同古典藝術的空間意識；以“相似性“為準則，以”明暗說“為基礎現代藝術的空間意識；以”思辨性“為準則，以”黑白說“為基礎審美觀不同

古典藝術的審美觀；是建立在客觀世界存在的基礎之上的優美與崇高感現代藝術的審美觀；是建立在主觀世界存在基礎之上的拓展與探索精神

表現方式不同

古典藝術的表現方式；是”動中求靜“，在對物質世界的模擬中象徵精神的永恆現代藝術的表現方式；是"靜中求動"，在對物質世界的異化中追求精神的永恆

時間不同

古典藝術是在有限的空間中再現時間，現代藝術是在無限的空間中表現時間。

古典藝術帶給人最大的感受：在這些創作的藝術品中給人們一種真實、生動、高貴、典雅、嚴謹、明晰、純淨、明麗的藝術形象。

1古典藝術與現代藝術的審美特點　　

藝術是一種社會意識形式，一種創造審美物件的精神生產。具體地說，它作為一種生產，是一種感性、客觀的有目的的、物件化的實踐；而西方古典藝術主要沿襲了古代希臘與古代羅馬時期所追求的傳統的藝術風格，並以此為基礎進一步發展。西方古典藝術以追求理性美為創作的基本原則，以對客觀事物或者人物進行有針對性的典型提煉為最基礎的創作方法。在這些創作的藝術品中給人們一種真實、生動、高貴、典雅、嚴謹、明晰、純淨、明麗的藝術形象，這就是古典藝術帶給人最大的感受。　　

而現代藝術是相對傳統藝術而言的，有時候，根據使用場合的不同，與古典藝術、古代藝術相區別。現代藝術的產生與發展跟非理性哲學具有密切關係，以書本華、尼采為代表的“唯意志主義”，從根本上和總體上影響了現代藝術的發展，從此奠定了現代西方藝術挖掘人的內心世界、表現主體非理性、反邏輯的生命意志與衝動的藝術表現手法。　　

2古典藝術與現代藝術的發展趨勢　　

回顧20世紀的現代藝術，我們可以概括地講，現代藝術針對古典藝術主要做了兩件事：第一，打破古典藝術對規範的遵循，現代藝術反對一切規範，是無規範可循的；第二，打破古典藝術堅持的藝術與生活的界限，現代藝術把藝術還原為生活，將生活指定為藝術。在現代藝術的持續不斷的顛覆活動之後，我們喪失了判斷藝術與非藝術的標準。任何一種可以表達人們情感、理想、或是想法的表現形式都成為現代藝術的具體表現。人體行為藝術、建築表現手法都與古典藝術有著很大的不同。因此，在現代藝術設定的文化環境中，無論創作還是欣賞，都被迫成為對“藝術是什麼？”的哲學追問。現代藝術已經顛覆了古典藝術的那種規範與界限，朝著多元化的方向不斷髮展。　　

3古典藝術與現代藝術的美　　

現代人所面臨的世界似乎沒有意義、沒有美，也沒有詩。城市失去了舊日的夢，鄉村被日益擴充套件的城郊所替代。貴族被瓦解了，君主的輝煌也已經不見了，宗教的崇高理想也消失了，從軍的榮耀不再了，農夫的簡樸生活狀態也不見了。現代人的生活似乎被工業文明“摧毀”了。於是，藝術家們在面對著一個似乎沒有意義、也沒有美的世界，面對著一個沒有榮耀，也沒有英雄的世界，現代人選擇了對藝術創作過程的注重。　　在過去，古典藝術家總是試圖表現世界和美化世界，而現代藝術卻完全置世界於不顧。過去，藝術家總是循規蹈矩，從不敢越雷池一步。不論是詩人、雕刻家或畫家，都必須經過長期的學習和訓練之後，才能掌握一種藝術形式的規則。而他們也只有在掌握了這些規則之後，才有資格被稱為藝術家，並進而去嘗試創作與創新。與此相反，現代藝術則擯棄了所有的規則和條例，打破了所有的條條框框，這使得任何人都可以先丟擲某種稀奇古怪的東西，然後就自稱為富有創造力的藝術家或天才。這就是現代藝術帶給人的創作激情的來源，因為只要有夢想，並且努力去實踐，就有可能創作出現代藝術風格的作品。例如人體行為藝術就是一種極具現代表現風格的行為藝術。這些現代藝術家竭力創造能引起爭議的作品，以喚起人們對生活的思考，對生命的認知，以及對世界更加清晰的認識。　　

現代藝術是從後印象主義中脫離出來的，其中傑出的代表主要有：修拉、高更、梵高以及塞尚。他們開啟了現代藝術的先河，帶給人們一種另類的美感享受。從他們的著名作品中，我們能夠感受到“異樣的美麗”。如修拉的作品《大碗島的星期天的下午》　　

大碗島的星期天的下午　　

這件作品取材於當時巴黎人沿塞納河岸休息的簡單情景。從色彩的運用來說：互補色——紅和綠、黃和紫、橙和藍的運用，細膩的技法，造成複雜的馬賽克效果。這種技法後來被稱作“分色主義”，也叫“點彩”。在這件作品中，作者將古典傳統的透視法與現代趣味的光、色以及圖案一致起來，達到了古典與現代藝術的完美結合，可謂是畫中佳品。正如這件作品所要表達的思想：古典與現代並不是完全孤立的，現代藝術也不是對現實世界的完全批判，而古典藝術也不是一味的“美化世界”。二者之間是存在共通的東西的：給人美的享受。這就是藝術的全部精華。藝術雖有派別之分，但是古典藝術與現代藝術的“美的傳達”是一致的。　　

4結論　　

藝術的最高境界：給人美的享受

天下皆知美為美，則斯惡已！天下任何事物只有相互作用和比較才會產生你認知的美！不論是現代藝術還是傳統藝術，都需要透過對當時代眾生大腦裡面的文化密碼進行揭示，而後創作，才能夠滿足需求！有需求則為美！

自然美和藝術美都是美的享受，自然美是大自然的賜於，自然存在的天然美。藝術美是在自然美的基礎上再次提升和拔高，成為可以使心靈昇華的藝術美或創造美。兩種美都是心靈所需要的美。都是無法代替的。獨一無二的。