為什麼一樣呢？

一模一樣怎麼稱作繪畫呢？

不一樣才是繪畫的精髓，

繪畫是人藉手或畫筆

描繪出——

眼前或心靈裡的世界，

是生命的感悟體現... ...

繪畫和攝影的區別正是在繪畫過程中可以根據畫面需要新增一些素材，或者為了突出主題去掉一些與畫面無關的景物，虛化背景，調整光影，冷暖等關係，從而使畫面更符合作者要表達的境界和思想

一幅好的作品，我覺得都應該是在這樣的基礎上產生，絕對不是沒有選擇地，照搬原始客觀景物。當然也離不開畫家的靈感、激情、修養及技法。這就是我們常說的那句話：“藝術源於生活，更是高於生活的。”

繪畫中的取捨其實就是一種概括、提煉,取其精髓,棄其繁文縟節,存其精神而去其媚俗。

對素材進行取捨和組合，捨去無用與不協調的因素，畫入自己情感中的一些因素，透過適度的改造，畫出來的場景感到自然真實，主體突出，構圖豐滿完整，達到可以變現自己思想情感。

不矛盾，每一個人的畫有個人的特色與風格。

杉澤的畫都是以山海經裡的妖神為主，和現實一點都不沾邊，依然受到很多人的喜歡。

所以與現實情景不一樣的畫也不會矛盾。

不矛盾，就中國山水畫。在對景山水寫生創作而言，那是中國山水畫的高妙之處，也是其“外事造化，中得心源”之說的由來。

情景再現是強調寫生是看山之“神氣”，而不是僅僅對繪畫情景的細微細節之把握，是將感化自己的景象以最準確的筆墨表現出來，抓住最本質的“神”，當然不同的人有不同的感悟。

情景和現實，這種繪畫再現藝術現象的一方面歸咎於感悟的準確性，另一方面是技法問題的成熟性問題。

中國畫山水畫，如果交待清楚，那就失去了中國畫的韻味。中國山水畫情景再現，只是在區域性或者是某個細節有所可取之處就足夠也，關鍵是要對景物感受的準確性表達。這樣，原本平淡的情景再現時會是一番新的景象，變得氣象萬千，流光溢彩。

這不是矛盾，

而是每個藝術家，創作者對當時情景的角度跟觀看景色的心境不一樣而創作出來的作品，自然跟你看到的景跟作品又會有不一樣的理解，繪畫作品的創作有時候是具有主觀意識的創作，畫面的創作肯定就會有作者的自我感受跟想法，這時你看見的景跟作者的作品可能就會有出入，其實這不是矛盾，是你們對一件事物不同的理解造成的。

至於畫的情景和現實不一樣，要是非較真的話，50年前畫的老房子，現在估計都拆了，改建了，或者周圍都重修了，勢必跟畫裡不一樣了，這要怎麼算呢？

如果真的想要一個“再現藝術”，推薦你“攝影”瞭解一下……

如果非要用繪畫作為“再現藝術”的一種表現方法，“超寫實”繪畫是很好的選擇……

繪畫是一門再現藝術，中國畫注重“寫意”，油畫注重“寫實”，講究“像物象”，講究“外師造化”，就是以大自然為師，從而，繪畫藝術就需要“寫生”了，寫生的目的，是為了作品中的物象給人“活生生”的視覺效果，問題來了：繪畫是一門再現藝術，可有些畫的情景和現實不一樣，這是否矛盾？

我們直奔主題，繪畫是一門再現藝術，可有些畫的情景和現實不一樣，這並不矛盾，為什麼這麼說呢？因為藝術家可以透過豐富的想象力和誇張的表現手法，來表現人類世界的過去、現在和未來，而對於過去的和未來的世界，有很多事情是不可預知的，並不是原本真實的樣子，

即使是描繪現在，也有些情景和現實不一樣，我們舉例說明：有一次，一位夫人造訪畫家馬蒂斯的畫室（馬蒂斯是20世紀的野獸派畫家），她發表意見說：“這位婦女的手臂肯定是太長了。”馬蒂斯彬彬有禮地回答說：“夫人，您錯了，這不是一位婦女，而是一幅畫。”

那位夫人，認為馬蒂斯應該把畫中的人，表現的和現實中的人一樣，不應該沒有身體比例，但是，馬蒂斯卻認為，畫不必和我們看到的世界一模一樣，它完全可以是裝飾性的，只要可以大概認出畫中的組成部分就行，比如，桌子、椅子、女人的“線條形態特徵”，不需要真實的模型或表情，這和我們所看到的真實世界是完全不一樣的。總而言之，作品可以用作裝飾，就不需要和現實一樣。

繪畫雖說是一種再現藝術，但不是百分百的複製現實。作為藝術，它一定要與現實實際有段距離，藝術與極端的寫實主義不相容。一幅繪畫作品，如果完全是在妙肖人生和自然的境界，那就不免會把觀者的注意力引到非常實際的現實人生，從而脫離藝術作品的審美需求。

舉個例子，在西方的很多博物館中，都可以見到一些女性的裸體繪畫和雕塑，比如希臘雕塑《米羅斯的維納斯》，安格爾的油畫《春之仙女》等等，這些都只會讓觀賞者肅然起敬。但看到一些真實美女帥哥的裸體照片的時候，卻往往會誘出性慾，這其中的原因就是因為照片太真實自然，容易像實物一樣引起人的實用態度。雕刻和繪畫都會帶有幾分形式化和理想化，都會有幾分不自然，才能使人跳出真實的現實世界，進入一種審美的情感。

繪畫是再現藝術，它一定要經過客觀化的處理，但作為藝術，它又都是主觀的，都韻含著作者的主觀情感，雖然每個人都是情感動物，但每個人的情感又不能都凝鍊成為藝術。著名的美學大師朱光潛先生曾說，“藝術所用的情感並不是生糙的而是經過反省的” “藝術家在寫切身的情感時，都不能同時在這種情感中過活，必定把它加以客觀化，必定由站在主位的嘗受者退為站在客位的觀賞者。一般人不能把切身的經驗放在一種距離以外去看，所以情感儘管深刻，經驗儘管豐富，終不能創造藝術。”

繪畫是一門“再現藝術”，我想對於這個命題我們可以從以下幾個層面去分析。

第一、我們要明白所謂“再現”絕對不是一模一樣的複製，“藝術源於生活，高於生活”。藝術從來都不只是一味的在模仿。

第二、藝術是對客觀物件主觀加工處理後的再現，是物象“藝術化”的再現。（只有藝術化的再現才可以稱為藝術）

總之，追求外在形象的相像從來都不是藝術的目標，“所見之像，竟是虛妄”盲人荷馬寫出史詩、丘位元射箭總是蒙上雙眼、德謨克利特為尋求真理刺瞎自己的眼睛，這些故事都告訴我們一個道理， 眼睛看到的東西只可能是千篇一律的表象。只有用心才能洞察事物的本質，才能看清真相。而這也藝術表現所一直追求的。

因此，藝術作品中的形象與現實中的不一樣是不矛盾的。

繪畫不僅僅是對事物的再現，其實也是個人內心對外界所觀所感所受的個體表現。是很主觀很個性的一個行為。只要畫出自己的對事物的感受就是好的，不必太在意別人的評價！

如果說繪畫是一門再現藝術，那也僅僅是侷限於寫實風格的繪畫領域，對於立體主義、超現實主義、抽象主義及一些現代繪畫的表現形式而言，繪畫藝術早已突破了情景再現的功能。

尤其是在攝影技術飛速發展的今天，寫實風格的繪畫形式受到極大挑戰，甚至面臨被淘汰的境地，這也是不爭的事實。 因此，如果還將審美習慣定格在繪畫的寫實性，不僅是對繪畫藝術的片面理解，而且對繪畫藝術的發展前景也缺乏足夠的認知。

不可否認，對於普通大眾來說，更多的人欣賞繪畫作品都還停留在畫得像與不像的評價標準，至於說藝術內涵和豐富的繪畫語言的理解，基本還是少數具備一些審美能力和藝術思維的人的事情。當然，不是說寫實主義的繪畫風格就是藝術水準不高，恰恰是達芬奇、米開朗基羅、安格爾等寫實主義繪畫大師以及他們的經典寫實主義繪畫作品更為世人熟知和推崇。

不管繪畫風格如何創新和發展，藝術要為大眾服務的基本功能還是不應該被完全拋棄的。如果繪畫作品都是些大眾看不懂也就受不了的創作形式，哪怕藝術價值再高，終將只是極少數人的自娛自樂罷了，失去了藝術存在的最大意義。

我們尊重藝術家的藝術創新思維，但是這不等同於藝術就能完全脫離大眾，脫離現實生活。 陽春白雪也好，下里巴人也罷，在不同審美習慣和欣賞角度的人群面前，都可以展現其應有的藝術魅力。

冷軍的超寫實油畫將精細刻畫水準表現到極致，不僅受到大眾的喜愛，也受到了市場的追捧；陳逸飛唯美、浪漫的寫實主義油畫能夠得到藝術界和普通大眾的廣泛認可，這叫雅俗共賞；趙無極的抽象主義油畫創作取得了令人矚目的藝術成就，雖然普通大眾看不太懂，卻不妨礙他成為最具影響力的中國油畫家之一。

繪畫之所以成其為藝術，就是因為其豐富的繪畫語言和藝術表現力總是能夠讓不同的人感受到不一樣的藝術魅力。如果總是將繪畫視為和攝影一樣的再現藝術，未免也太過膚淺了些。

繪畫藝術不應該為再現性藝術，可以稱為藝術的再現，至少不能全部稱為再現性藝術。

首先要弄清兩個概念，再現藝術指將客觀社會生活中的人物和事物真實地再現在作品中的藝術。所謂"再現性"是指物體藝術、地景藝術、裝置藝術，具有客觀的再現性或直呈性，是隨手拿來的實物、簽名的布利諾盒子和坎貝爾濃湯罐頭。

而繪畫藝術是忠實於客觀物象的自然形態，對客觀物象採用經過高度概括與提煉的具象圖形進行設計的一種表現形式。它具有鮮明的形象特徵，是對現實物件的濃縮與精煉、概括與簡化，突出和誇張其本質因素。

就現在世界兩種最大的繪畫藝術，西洋畫與中國畫來說，中國畫有著自己明顯的特徵。

傳統的中國畫不講焦點透視，不強調自然界對於物體的光色變化，不拘泥於物體外表的肖似，而多強調抒發作者的主觀情趣。

中國畫講求“以形寫神”，追求一種“妙在似與不似之間”的感覺。而西洋畫則講求“以形寫形”，當然，創作的過程中，也注重“神”的表現。

但它非常講究畫面的整體、概括。所以說西洋畫是“再現”的藝術，中國畫是“表現”的藝術，這是還算有點道理。

而每一種繪畫形式其中又有很多不同種類，不同風格，不同流派。

就中國畫主要可分為工筆、寫意和兼工帶寫三種形式。工筆就是用畫筆工整細緻，敷色層層渲染，細節明徹入微，用極其細膩的筆觸描繪物象，故稱“工筆”。而寫意相對“工筆”而言，用豪放簡練的筆墨描繪物象的形神，抒發作者的感情。

它要有高度的概括能力，要有以少勝多的含蓄意境，落筆要準確，運筆要熟練，要能得心應手，意到筆到。兼工帶寫的形式則是把工筆和寫意這兩種方法進行綜合的運用。

但還有水墨，潑墨，大寫意，潑彩，這些風格更不是再現了，甚至已經大象無形的境界，更談不上再現了。

而西洋畫當然是以油畫為主，其流派主義更是種類繁多，油畫的流派分為兩大類。第一類是以客觀的再現為主的創造性作品;第二類是以主觀表現為主的創造性作品。

在第一類中如文藝復興後出現的巴洛克、洛克克、古典主義、學院主義、浪漫主義、現實主義、寫實主義、照相寫實主義、印象主義都是以再現自然為基礎，表現畫家不同的思想與目的。

第二大類，即後印象主義、野獸派、立體主義、未來主義、抽象主義、超現實主義等，它們不再是對客觀物件的真實描繪，而是根據畫家的主觀意圖進行自由創作，它們大多出現在20世紀以後。

當然也許會覺得更不可思議難以理解。不過，就自己的淺見，藝術本來就不是非要理解的，藝術應該更是一種感受，就繪畫而言更是一種欣賞，是視覺的欣賞，心靈的感應，至於像不像在不現，甚至腦子不線上都無關緊要。

我覺得美術的再現不只是寫實，還有思想的再現，精神的表達。比如冷軍老師的畫作是非常寫實的，每個細節都無可挑剔，就像相機拍下的照片一樣，而畢加索的畫作誇張，每個人看到的感受都是不同的。雖然藝術源於生活，更高於生活，但是每個畫家的表達方式是截然不同的，不能一概而論。

不但不矛盾，而且是必須的。因為藝術再現不是原物再現，而是現實的提煉。白石老人講，畫要在似與不似之間，太似媚俗，不似欺人。鄭板橋作畫是“胸無成竹”，他說，眼中的竹，並非心中的竹，心中的竹也非手中的竹。

圖片題識

長尾雞乎 重明鳥乎 鳳乎 吾不知也

己亥冬月 鵬洋

此是“意"之作用的結果。

若是繪畫皆畫得逼真就是功夫到家，那是一種誤會，畫得特別象是一種學畫過程中的初步要求。有了這個過程叫入畫。

吳冠中先生直接了當地指出，畫畫得象不是藝術。此言不謬。世界名畫中許多畫得不象，而給人的感覺很美。這其實是在所畫的"象"上加上了畫家胸中的"意"，原物就在畫作中成了"意象"。意象和象是貌象而神不象的兩種特質之物，所以表現的形式不一樣。

畫中的意象變得更美了的，畫作就是更優秀的。等同的就沒有藝術美了，如果實物或人還美的話，那純屬一種自然美，毫無藝術美可言。

再現的意象和實物不一樣了，有美的有不美的，美的是畫家賦予象一種藝術美。這種藝術美越多越好，多了就凝聚成藝術的複合，創造之美。

畫得象是相對的，不象是絕對的，關鍵是看凝聚物象上的感情，思想，意美得凝重不凝重。

世界著名油畫作品多不似與不似的意象。這才正常，這才符合藝術創作的普遍規律。

當然不矛盾，繪畫的題材千千萬萬，有的表現現實中的真實，如靜物，人物，風景等，有的表現神話或浪漫，如神仙魔怪等。

繪畫是人為藝術品現！與現實異是應該肯定！超自然藝術表現完美！更想象前瞻性超完美！（題： 人為藝術品超自然最理想）

繪畫中所謂的再現，是一種經過主觀加工的再現。它絕非僅僅只是現實的描寫，更多的包含了繪畫者的思想，審美，藝術偏向等等。所以繪畫是現實和繪畫者自身偏好的結和，那麼所繪畫的情景與現實不一樣也就能理解了。

第一，繪畫根本就不是一門什麼再現藝術，具體畫什麼，也沒必要只化一些具體再現的人和物，也可以畫一些想象的，虛擬的，那才是更高的層次，建議你努力加油